En el caso de Camboya, antigua colonia francesa también la podemos incluir como parte latino, la música camboyana conserva su carácter ancestral. Los instrumentos tradicionales remontan a los tiempos de Angkor. Son parte variados instrumentos de percusión hechos de bambú y la flauta, la misma que acompaña el pastoreo. La trova camboyana acompaña las celebraciones y el trovista recuenta escenas de la vida cotidiana campesina, denuncias, bienvenidas, buenos augurios. Como es común al género trova en otras culturas, esta nace del corazón del trovador, el cual expresa sentimientos y utiliza un lenguaje florido, algunos ritmos también tienen algo de influencia francesa. Un género novedoso es el del "pop-jemer". De este se desprende por ejemplo el "rap-jemer". Ello conlleva la introducción de instrumentos electrónicos que se hacen populares entre los jóvenes pero que ponen en peligro las música tradicional. wikipedia
jueves, 29 de julio de 2010
Musica en Chile
La música de Chile reúne tanto el espíritu de los aborígenes andinos del Altiplano, como los ritmos coloniales españoles. La cueca es el baile nacional, mientras que el movimiento musical de la Nueva Canción Chilena, el funk, el hip-hop, y el rock nacional surgidos en los noventa perduran como ritmos típicos del país. Wikipedia
Litmos latinoamericanos en Brasil
Brasil es un país geográficamente extenso y diverso aspectos culturales. Posee una gran historia en el desarrollo de la música popular, que incluye desde la innovación a comienzos del siglo XX del samba hasta la moderna Música Popular Brasileña (MPB) y el tropicalismo. La bossa nova y jazz latino, que son internacionalmente conocidos.
Con el paso del tiempo y con el aumento de los intercambios culturales con países más allá del al imperio portugués, elementos musicales típicos de otros países se vuelven importantes, como fue el caso de la ópera italiana y francesa y el bailes como la zarzuela, el bolero y la habanera origen español, las polcas y valses, muy populares entre los siglos XVIII y XIX, y de jazz estadounidense en el siglo XX, que encontraron terreno fértil en Brasil, donde enraizaron y se transformaron.
Con gran participación negra, la música popular desde finales del siglo XVIII comenzó a mostrar signos de la formación de un sonido característico brasileño. En la música clásica, sin embargo, a pesar de tal diversidad de elementos, apareció tardíamente pero siguiendo de cerca –dentro de las posibilidades técnicas locales en comparación con los principales centros europeos o con México y Perú – lo que acontecía en Europa y algo menos en la América española en cada período. Así, un carácter específicamente brasileño se hará presente hasta llegar a la gran síntesis realizada por Villa Lobos, ya a mediados del siglo XX. wikipedia
miércoles, 28 de julio de 2010
Fritz Kreisler
Fritz Kreisler (Viena, 2 de febrero de 1875 - † Nueva York, 29 de enero de 1962) fue un notable violinista y compositor de origen austriaco.
Comenzó a estudiar con su padre siendo aún un niño y se perfeccionó con Jacques Auber. En 1882 se convirtió a la edad de 7 años en el alumno más joven de la historia del Conservatorio Musical de Viena, donde estudió con Hellmesberge y Bruckner. Dos años más tarde, con tan solo 9 años, debutó como violinista y al año siguiente fue discípulo de Lambert, Massart y Delibes en el Conservatorio Musical de París.
En 1888, Fritz Kreisler inició una gira de conciertos por Estados Unidos, y después de varios años en los que se dedicó a la Medicina, volvió a ejercer como solista a partir de 1899. En 1924 se estableció en Berlín, más tarde en París y en 1939, huyendo de los nazis, en Estados Unidos. Entre sus composiciones caben destacar obras para violín como "Liebesleid" y "Liebesfreud". wikipedia
Música para el cine de Wolfgang
- 1956: Magic Fire.
- 1947: No me dejes.
- 1946: Servidumbre humana.
- 1946: Predilección.
- 1946: Decepción.
- 1944: Entre dos mundos.
- 1943: La ninfa constante.
- 1942: Kings Row.
- 1941: El lobo de mar.
- 1940: Halcones de mar.
- 1939: La vida privada de Elizabeth y Essex.
- 1939: Juárez.
- 1938: Robin de los bosques ( Óscar a la mejor banda sonora original).
- 1937: Otro amanecer.
- 1937: El príncipe y el mendigo.
- 1936: Las verdes praderas.
- 1936: Give Us This Night.
- 1936: El caballero Adverse (Óscar a la mejor banda sonora original).
- 1935: El capitán Blood.
- 1935: El sueño de una noche de verano. wikipedia
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Música de cámara
- 1910: Trío en re mayor para piano, violín y violonchelo, op. 1.
- 1913: Sonata en sol mayor para violín y piano, op. 6.
- 1917: Sexteto de cuerdas en re mayor, op. 10.
- 1923: Quinteto en mi mayor para piano y cuerdas, op. 15.
- 1924: Cuarteto de cuerda n.º 1 en la mayor.
- 1930: Suite para dos violines, violonchelo y piano (mano izquierda), op. 23.
- 1934: Cuarteto de cuerda n.º 2 en mi bemol mayor, op. 26.
- 1946: Cuarteto de cuerda n.º 3 en re mayor, op. 34. wikipedia
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lunes, 26 de julio de 2010
Deportación y regreso a Alemania de Hans Eisler
La prometedora carrera de Eisler en los Estados Unidos fue interrumpida por la Guerra Fría. Él fue uno de los primeros artistas colocados en la Lista Negra de Hollywood por los jefes de estudios cinematográficos. En dos interrogatorios del Comité de la Casa Blanca para Actividades Antiamericanas, el compositor fue acusado de ser "el Karl Marx de la música" y el agente jefe soviétivo en Hollywood. Los defensores de Eisler - entre los que estaban su amigo Charlie Chaplin y los compositores Ígor Stravinski, Aaron Copland y Leonard Bernstein — organizaron conciertos de beneficio para juntar fondos para su defensa, pero fue deportado pronto en 1948. La canción de Woodie Guthrie Eisler on the Go - que no pudo ser grabada y fue posteriormente adaptada por Billy Bragg & Wilco en el álbum Mermaid Avenue - es una protesta contra este hecho.
Eisler regresó a Alemania y se estableció en Berlín Este. Ahí compuso el himno nacional de la República Democrática Alemana (Auferstanden aus Ruinen), un ciclo de canciones al estilo del cabaret con poemas satíricos de Kurt Tucholsky y música incidental para teatro, cine y televisión. Su proyecto más ambicioso de este período, una ópera moderna sobre el tema de Fausto, fue atacado por los censores comunistas y no fue terminada. Irónicamente, menos de cinco años después de que fuera deportado de los Estados Unidos por su abierto apoyo al comunismo, Eisler fue forzado nuevamente a testificar en audiencias donde su lealtad política fue cuestionada. Si bien continuó componiendo y enseñando en el conservatorio de Berlín Este, la distancia entre Eisler y los funcionarios culturales de la Alemania del Este se fue agrandando en la última década de su vida. Eisler nunca se recuperó completamente de la muerte de Brecht en 1956 y en los años restantes cayó en una profunda depresión, que deterioró progresivamente su salud.
Murió en Berlín Este, está enterrado cerca de Brecht (y su mujer, la actriz Helene Weigel) en el cementerio de Dorotheenstadt (Berlín) wikipediaescuelas de musica
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Exilio de Hans Eisler
Después de 1933, la música de Eisler y la poesía de Brecht fueron censuradas por el Partido Nazi. Ambos artistas pasaron a la generación de exiliados anti-nazis que buscaron refugio en Estados Unidos. En Nueva York, Eisler enseñó composición en la New School y escribió música experimental de cámara y para documentales. Al trasladarse poco después a Los Ángeles, compuso música cinematográfica para Hollywood, dos de las cuales —Hangmen Also Die y None but the Lonely Heart — fueron candidatas al Oscar. En 1947 escribió el libro Composing for the Films (Componer para el cine) con Theodor Adorno. Pero en varias composiciones de música de cámara y corales de este período, Eisler regresó al dodecafonismo que había abandonado en Berlín. Sus Fourteen Ways of Describing the Rain (14 maneras de describir la lluvia) — compuesta para el 70º cumpleaños de Arnold Schönberg -es considerada una obra maestra del género.
Las dos obras más notables de Eisler en los años 30 y 40 fueron la monumental Deutsche Sinfonie (Sinfonía Alemana de 1935-1957) — una sinfonía coral en once movimientos basados en poemas de Brecht e Ignazio Silone — y un ciclo de canciones artísticas (lieder) publicado como el Hollywooder Liederbuch (1938-1943). Con poemas de Brecht, Eduard Mörike, Hölderlin y Goethe, se consolidó la reputación de Eisler como uno de los compositores más importantes de lieder alemanes. wikipedia
Encuentro con Brecht
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Primeros años de Hanns Eisler
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Hanns Eisler
Hanns Eisler (6 de julio de 1898 - 6 de septiembre de 1962) fue un compositor alemán y luego austríaco de música clásica europea. Perteneció en un inicio a la Segunda Escuela de Viena, aunque después se sumó (muy libremente) a los postulados del realismo socialista, vinculado a la Nueva objetividad. wikipedia
jueves, 22 de julio de 2010
Laudistas
Entre los laudistas mundialmente famosos cabe citar a Konrad Ragossnig, Robert Barto, Desmond Dupré, Eduardo Egüez, Edin Karamazov, Luca Pianca, Edmund Spencer ,Hopkinson Smith, Axel Wolf, Nigel North, Eligio Quinteiro, Stephen Stubbs, Richard Stone, Pascal Monteilhet, Ariel Abramovich, Evangelina Mascardi, Luciano Contini, William Waters, Paul O' Dette, Rolf Lislevand, Anthony Rooley, Eugène Ferré.
El cantante popular Sting toca el laúd y el archilaúd, ocasionalmente en colaboración con Edin Karamazov.
Dentro de la cultura pop también la cantante colombiana Shakira utiliza el laúd para su canción Ojos así con la colaboración del músico Tim Mitchell.
El llamado laúd español es imprescindible, al igual que la bandurria, en una tuna universitaria de tradición española, así como en las orquestas de pulso y púa. Es importante recalcar que este instrumento no tiene absolutamente nada que ver con los laudes llamados antiguos.
También hay un laúd cubano. Famosamente tocado por Barbarito Torres con el Buena Vista Social Club. Tiene la misma apariencia que la versión en español sólo que la afinación es diferente.
El laúd en el mundo moderno
El laúd disfrutó de un renacimiento con el despertar del interés en la música histórica alrededor de 1930 y a lo largo del siglo XX, y ese resurgir fue impulsado por el movimiento en pro de la música antigua, renacentista y barroca. Julian Bream se hizo famoso por sus conciertos de laúd y violín, así como Hans Neemann, Walter Gerwig, Suzanne Bloch y Diana Poulton. Los laúdes actuales son réplicas o casi copias de aquellos instrumentos históricos que han sobrevivido y se encuentran en los museos o en colecciones privadas, pero todavía es posible encontrar artesanos dedicados a la construcción de nuevos laúdes. Se realizan por encargo, o pueden adquirirse de segunda mano en un mercado muy limitado. Como resultado de ello, los laúdes son, en general, más caros que los instrumentos modernos producidos en masa, como la guitarra, llegando o en ocasiones superando el precio del violín.
A diferencia de lo que ocurría en otras épocas, hoy existen muchos tipos de laúd: medievales, renacentistas, el archilaúd para obras barrocas, tiorbas para partes de bajo continuo en conjuntos barrocos, y otros.
El laúd chino o pipa
El cuerpo tiene forma de pera aplastada, tallada a partir de un bloque de madera, y cuatro cuerdas. Se encuentran referencias que datan de su existencia en el siglo II a. C. Se toca mediante una técnica con espectacular destreza de dedos, para conseguir sonidos característicos. Normalmente acompaña al canto de poemas, frecuentemente épicos, en los que se describen batallas o hechos históricos relevantes. Aunque también se utiliza en grupos musicales, el Pipa (instrumento) o laúd chino se utiliza principalmente para la interpretación de solos. El repertorio para pipa consiste en obras tradicionales chinas, anónimas en su mayoría, y música contemporánea de compositores con influencias tanto chinas como occidentales. Liu Fanges una consumada intérprete de este instrumento
El laúd arabe
El laúd árabe
La palabra laúd deriva de la voz árabe `ūd (عود), otra de cuyas acepciones es madera. El laúd usado en los países árabes y en todo el Medio Oriente carece de trastes, pues estos impedirían la realización de cuartos de tono, necesarios en las escalas orientales. Tiene el mástil algo más corto, en comparación con el laúd europeo, y una caja de resonancia más grande. Usualmente sólo cuenta con una bordona y cuatro dobles cuerdas, aunque se encuentran laúdes de hasta siete órdenes. Su registro suele ser de dos octavas y media. Este instrumento es usado en la música clásica y popular de todos los países árabes, además de Turquía, Irán, Pakistán, Armenia y Grecia.
Técnica El interprete coge el instrumento de una manera semejante a la guitarra. Su mano derecha, en el caso de los instumentos orientales, medievale
Técnica
El interprete coge el instrumento de una manera semejante a la guitarra. Su mano derecha, en el caso de los instumentos orientales, medievales y en el del Laúd español tañe las cuerdas mediante una púa o plectro. A partir de la época medieval se abandonó el uso de la púa, y el intérprete tocaba con las yemas de los dedos o las propias uñas. Esta técnica proporcionaba mayor libertad expresiva y de ahí viene la técnica de la mano derecha de la guitarra actual; los recursos de la púa son más reducidos que los de los dedos. Con la mano izquierda pisa las cuerdas permitiendo la formación de acordes y la ejecución de melodías. En el caso de la tiorba, el archilaúd, el laúd barroco, etc, también existen unas cuerdas de bajo, llamadas bordones, que no se pisan, pues no pasan por encima del diapasón, pero que sí se tocan con la mano derecha para producir notas de bajo en determinado momento de una pieza solista o bien para acompañar a instrumentos más agudos. Grandes compositores e intérpretes del periodo barroco y renacentista fueron John Dowland, Girolamo Kapsberger o Robert de Viseé.
Nombres de las partes
- Clavijas: son piezas de madera alargadas, con una ligera conicidad, en las cuales se enrolla la cuerda para tensarla.
- Trastes: cuerdas de tripa anudadas alrededor del mástil. Acortan la cuerda a la longitud deseada cuando el intérprete las pisa entre dos de estos trastes.
- Mástil: es el mango alargado que surge del cuerpo del instrumento sobre el cuál se tienden las cuerdas y se ejecutan las posiciones de la mano izquierda.
- Diapasón: es la lámina que cubre el mástil para protegerlo del desgaste y darle rigidez, pues sobre ella se apoyan los dedos del ejecutante al pisar las cuerdas. Suele ser de ébano.
- Caja de resonancia: abombada, construida a partir de costillas longitudinales, con forma de media pera.
- Boca: en los laúdes antiguos ostenta un rosetón decorativo finamente tallado.
- Cuerdas: son de tripa las agudas y de núcleo de tripa y entorchado de metal las graves, son seis dobles cuerdas afinadas al unisono por pares como las de la bandurria.
- Puente: llamado también barra-cordal. En él las cuerdas vibran directamente desde el nudo, sin apoyarse en ninguna lámina, como las guitarras actuales.
- Cordal: sólo algunos laúdes medievales poseían una pieza aparte para anudar las cuerdas, pues a partir de ahí y hasta el XVIII el puente y el cordal coincidían en una única pieza, la barra-cordal.
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Partes
Partes
Los laúdes que se encuentran en oriente y los laúdes medievales, renacentistas y barrocos poseen una caja de resonancia abombada, fabricada con duelas, o costillas longitudinales, o bien tallados a partir de un bloque de madera (pipa, laúd medieval). El instrumento de tesitura tenor, habitualmente usado en la tuna y en rondallas, llamado laúd español, tiene fondo plano y aros laterales, y pese a su nombre, no está emparentado con los laúdes antiguos, sino más bien con la bandurria. Consta de las siguientes partes,
El laúd
El laúd (del árabe العود al-`ūd) es un instrumento de cuerda pulsada, cuyo origen se remonta a la Edad Media y cuya introducción a Europa se dio por medio de la España islámica (Al-Ándalus).
Fue muy utilizado entre los siglos XIV y XVIII, y ha resurgido en el siglo XX.
Contenido
[ocultar]- 1 Partes
- 2 Técnica
- 3 El laúd árabe
- 4 El laúd chino o pipa
- 5 El laúd en el mundo moderno
- 6 Enlaces externos
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miércoles, 21 de julio de 2010
lectura a primera vista
Los instrumentistas que empiezan a solfear por lectura a primera vista por primera vez en los conservatorios encuentran que el "Do-fijo" es el sistema más coherente con la forma en que aprendieron a leer música.
Para los coros, el "Do-fijo" para el solfeo "a primera vista" es más conveniente que el solfeo con "Do-móvil" para la lectura de la música atonal, la música politonal, la música pan-diatónica, la música que modula o cambia la clave a menudo, o música en la cual el compositor, simplemente no se molestó en escribir una armadura de clave.
No es infrecuente que esto sea el caso en trabajos corales modernos o contemporáneos. Los coros que han aprendido a leer con el "Do-fijo" interpretarán música de compositores como Arnold Schoenberg, Eric Whitacre o Ivan Hrušovský más fácil y fluidamente que los que lo hicieran con "Do-móvil".
disonancia cognitiva
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Comparación con el sistema de "Do-móvil"
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El solfeo "arreglado" (o de Do Fijo)
En las principales lenguas romance (español, portugués, francés, italiano, rumano), las sílabas Do, Re, Mi, Fa, Sol, La y Si se utilizan para nombrar notas de la misma manera que las letras C, D, E, F, G, A, y B se utilizan para nombrar las notas en inglés. Para quienes hablan estos idiomas, el solfeo se realiza cantando simplemente los nombres de las notas, omitiendo cualquier alteración como sostenido o bemol, con el fin de preservar el ritmo. Este sistema, llamado de "Do Fijo" es ampliamente utilizado en España, Portugal, Francia, Italia, Bélgica y países latinoamericanos, así como en tales como Grecia, Irán y Japón donde las lenguas extranjeras más habladas son de origen anglosajón.
Las escalas
Las escalas descendentes
La escala natural diatónica descendente:
- (Do) - do bajo
- (si) - “el tono perforante”
- (La) - “el tono alegre”
- (Sol) - “el tono brillante”
- (Fa) - “el tono solitario”
- (Mi) - “el tono tranquilo”
- (Re) - “el tono esperanzado”
- (Do) - “el tono fuerte”
Los eruditos franceses Laborde y Villoteau sugieren que la notación musical musulmana influenciara a Guido de Arezzo. [7]
| Letras arabes | ﻡ mīm | ﻑ fāʼ | ﺹ ṣād | ﻝ lām | ﺱ sīn | ﺩ dāl | ﺭ rāʼ |
|---|---|---|---|---|---|---|---|
| Notas musicales | mi | fa | sol | la | si | do | re |
En países no anglosajones, estas siete sílabas han sido utilizadas para nombrar a las notas de la escala, en vez de las letras C, D, E, F, G, A y B, usadas en los países anglosajones. Éste es también el caso en Japón. En países germánicos, las letras se utilizan con este fin, y las sílabas del solfeo se encuentran solamente para su uso en la lectura musical y el entrenamiento del oído.
En países anglosajones, el si fue cambiado al ti por Sarah Glover en el siglo XIX de modo que cada sílaba pudiera comenzar con una letra distinta. El ti se utiliza en el tonic sol-fa (método para aprender lectura musical muy popular en el Reino Unido) y en la canción “Do-Re-Mi ”.
Una teoría alternativa
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Origen del solfeo
El uso de la escala musical diatónica de siete notas es antiguo, aunque originalmente ordenaba descendentemente.
En el siglo XI, el monje benedictino Guido de Arezzo desarrolló una escala ascendente de seis notas: ut, re, mi, fa, sol y la. Una séptima nota, si, fue agregada poco después.[cita requerida] Las notas fueron tomadas de la primera sílaba de cada verso del himno a san Juan el Bautista —conocido como Ut queant laxis—[cita requerida]. Más adelante ut fue cambiada para que su pronunciación concordara con las otras notas.
Ut queant laxis resonāre fibris
Mira gestorum famuli tuorum,
Solve polluti labii reatum,
Sancte Iohannes.
Etimología
Etimología
El "solfège francés" y el "solfeggio italiano" se derivan en última instancia de los nombres de dos de las sílabas usadas: sol y fa. El equivalente en español de esta expresión, "sol-fa", también se utiliza, especialmente como verbo (solfear un pasaje es cantarlo en solfeo).
La palabra solmisación se deriva del latín medieval solmisatiō, y en última instancia de los nombres de las sílabas sol y mi. La solmisación es frecuentemente usada como sinónimo de solfeo, pero es técnicamente un término más genérico; es decir, el solfeo es un tipo de solmisación —no obstante, es casi universal en Europa y América.
El solfeo desde el punto de vista técnico
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El solfeo
El solfeo, tras el estudio teórico-práctico de los signos de la notación musical, es la técnica de entonar una melodía —haciendo caso de todas las indicaciones de la partitura— gesticulando la marca del compás y —por lo común— pronunciando los nombres de las notas musicales entonadas.
También se refiere a la habilidad de reconocer los signos de la notación musical representados en una partitura, y la vocalización que se hace de su interpretación, entendiendo esto como la lectura musical, de la misma manera en que alguien leería en voz alta un texto escrito.
eliminación de las notas de la octava
Por lo tanto, la eliminación de las notas de la octava en esta sucesión de notas "armónico" hojas de las tres notas del acuerdo perfecto importante hacer -mi- sol.
En esta demostración, Rameau también fue demostrado, por una parte, lo que él llama la "clave baja" en el ejemplo anterior, los billetes originales hacer, por otra parte el principio de la inversión de los acuerdos: desde "octavas no son más que réplicas, "Hacer de los migrantes sol migrantes sol y hacer sol hacer -mi son en realidad tres aspectos de la misma realidad natural.
Lo que se ha hecho por las divisiones de la longitud de la cuerda se repite en forma de multiplicaciones, y de acuerdo con lo que determina Rameau padre laboratorio de tareas que es el ajuste perfecto minero, también se destacó por "Nature".
equivalencia de octavas
Con este principio y el de la equivalencia de octavas (que son réplicas "), que hace una demostración de" natural "de la naturaleza del acuerdo perfecto de hacer grandes expedido por una cuerda que vibra, notificación que la división de la longitud de la cadena, sucesivamente, Por el primer enteros producido las siguientes notas:
-
-
- División por 2 - octava nivel (es decir el octavo grado de acordeón diatónico gama, de agudos), lo más alto
- División por 3: "duodécimo", debajo de la tierra
- División por 4: el decimoquinto o de la segunda octava, haga lo siguiente
- División por 5: "decimoséptimo", mediados de los años siguientes.
-
(A raíz de la división por 6, da un nuevo suelo), y sin cubrir en el tema, Rameau decretó que la división por 7 no da su utilizable, que finaliza el proceso).
Teoría
El enfoque es puramente matemático: se parte del supuesto de que "la cuerda a la cuerda es que el sonido es el sonido", es decir, de la misma manera que una cuerda dos veces ha dado una cuerda de la mitad, y el bajo sonido producido por la primera "Contenga" el doble de su producto más grave por el segundo. Nos vemos en la asunción de esa inconsciente una idea (lo que significa la palabra "contener"?), Que incorpore sus conclusiones, pero se confirmará en este sentido, sobre todo porque, en 1726, él tomó nota de los trabajos Joseph Sauveur en la armónica sonidos procedentes corroboración De manera providencial.
principio de las equivalencias de las octavas
Él enuncia el principio de las equivalencias de las octavas, la noción de la nota fundamental y de la inversión de los acordes, la supremacía del acorde perfecto mayor y, a costa de una contracción intelectual (una de las debilidades de la teoría), del perfecto menor. Asienta las bases de la armonía clásica y de la tonalidad de forma ya no empírica.
La obra comprende 4 partes:
- I - Du rapport des raisons et proportions harmoniques (Informe de las Razones y Proporciones Armónicas)
- II - De la nature et de la propriété des accords (Naturaleza y Propiedades de los Acordes)
- III - Principes de composition (Principios de Composición)
- IV - Principes d'accompagnement (Principios de Acompañamiento)
En la época en la que el tratado fue redactado, Rameau aún no conocía los trabajos de Joseph Sauveur sobre los armónicos. Él verá en ese trabajo, años más tarde, la confirmación de su teoría; que dará lugar a la publicación de un tratado complementario, la Generación Armónica.
Tratado de Armonía.
Tratado de armonía reducido a sus principios naturales
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El Tratado de Armonía reducido a sus principios naturales («Traité de l'harmonie réduite à ses principes naturels») es el primer tratado de teoría musical escrito por Jean-Philippe Rameau y publicado en 1722. Obra fundamental en el desarrollo de la música occidental, hizo que Rameau fuera considerado el músico más erudito de su época.
Esta obra sintetiza los esfuerzos del autor de hacer da la música una ciencia, que siempre había sido considerada un arte. Rameau recoge los trabajos de sus predecesores, especialmente de Gioseffo Zarlino y René Descartes (Compendium musicæ) para ordenar las nociones dispersas que ya se habían sacado antes que él y hacer de la armonía una ciencia deductiva como las matemáticas, postulando que: "El sonido es al sonido, lo que la cuerda a las cuerda". Para Rameau es "la naturaleza" misma quien establece esta teoría y le permite afirmar que la armonía es la quintaesencia de la música, la melodía proviene de la armonía.